woensdag 23 september 2026

Agnes Obel – Blood So Red★★★★★ – 5/5



Agnes Obel – Blood So Red

Het sprookjesbos in. Maar ik weet niet zeker of we hier ooit nog uitkomen.

Bij Agnes Obel hoef je eigenlijk maar een paar seconden te luisteren en de gewone wereld begint langzaam te verdwijnen.

Bij Blood So Red gebeurt dat opnieuw.

Ik zie een sprookjesbos.

Niet het vrolijke Disneybos waar konijnen liedjes zingen en de prins achter de volgende boom staat te wachten. Nee, dit is een oud bos. Donker. Mist tussen de bomen. Takken die bewegen terwijl er nauwelijks wind staat.

En ergens verderop brandt een klein rood licht.

Welkom bij Agnes Obel.

Muzikaal doet ze iets waar ze ontzettend goed in is: ze gebruikt weinig om heel veel op te roepen. Piano, stem, ritme en kleine elektronische details krijgen allemaal ruimte. Geen enkel instrument lijkt toevallig aanwezig.

De piano geeft niet simpelweg de akkoorden aan. De noten voelen bijna als voetstappen.

Eén.

Nog één.

Verder het bos in.

Daarom werkt het ritme zo mooi. Het nummer heeft iets ritueels. De beweging herhaalt zich en wordt daardoor bijna hypnotiserend. Je wacht niet op een traditioneel refrein dat ineens met open armen binnenkomt.

Je wordt langzaam het nummer ingetrokken.

En dan die stem.

Obel zingt weer op die bijzondere manier waarbij haar stem tegelijkertijd dichtbij en onbereikbaar klinkt. Alsof iemand vlak achter je fluistert, maar wanneer je omkijkt staat er niemand.

Dat vind ik prachtig.

De achtergrondstemmen en elektronische vervormingen maken het nog vreemder. Soms weet ik nauwelijks meer waar de menselijke stem ophoudt en het instrument begint.

Juist daarin zit de magie.

De inspiratie achter het nummer maakt die mysterieuze sfeer nog interessanter. Obel las de hymnen van Enheduanna aan Inanna, de Mesopotamische godin die verbonden werd met onder andere geboorte, liefde, seksualiteit, muziek en oorlog. Voor Obel raakte dat aan haar eigen ervaringen rond geboorte en aan lichamelijke ervaringen die mensen duizenden jaren van elkaar kunnen scheiden, maar toch met elkaar verbinden. 

En ineens krijgt die titel Blood So Red veel meer gewicht.

Dit is geen rood uit een verfdoos.

Het is leven.

Geboorte.

Gevaar.

Liefde.

Lichaam.

Alles tegelijkertijd.

Wat ik bovendien zo sterk vind, is dat Obel dat niet met een muzikale markeerstift onderstreept. Ze vertrouwt erop dat de sfeer genoeg vertelt.

Dat deed ze eerder al prachtig op Laymelli, maar Blood So Red voelt voor mij nog aardser.

Laymelli zweefde.

Blood So Red loopt op blote voeten door het bos.

De Alternatieve Muziekman zegt

Dit is precies waarom Agnes Obel zo bijzonder blijft.

Andere artiesten zouden bij zo'n onderwerp waarschijnlijk strijkers, een koor en zestien trommels inzetten om duidelijk te maken dat het HEEL ERG DIEP is.

Obel doet bijna het tegenovergestelde.

Ze fluistert.

En daardoor luister ik harder.

Blood So Red is geen nummer dat je even tussendoor aanzet. Het bouwt een wereld waarin je een paar minuten mag rondlopen.

En wanneer het afgelopen is, staat die wereld er nog steeds.

★★★★★ – 5/5

Cijfer: 9,6/10

Sfeer: ⭐⭐⭐⭐⭐
Stem: ⭐⭐⭐⭐⭐
Piano: ⭐⭐⭐⭐⭐
Opbouw: ⭐⭐⭐⭐⭐
Sprookjesbosfactor: ⭐⭐⭐⭐⭐
Mysterie: ⭐⭐⭐⭐⭐
Herluisterwaarde: ⭐⭐⭐⭐⭐
INDIE TOP 20-potentie: ⭐⭐⭐⭐⭐

Agnes Obel neemt je mee een sprookjesbos in. Alleen heeft ze één klein detail verzwegen: er liggen geen broodkruimels om de weg terug te vinden.

https://youtu.be/dzX2opC2eYQ?si=tnZg4GWbrkbdVqLs

Perfume Genius – Natural High★★★★★ – 5/5





Perfume Genius – Natural High

Twin Peaks-vibes, een wonderschoon soundscape… en dan gaat halverwege ineens de vloer bewegen

Wat een geluid.

Soms hoor je een nieuw nummer en ben je na tien seconden alweer bezig met een vergelijking, een refrein of de vraag of het de INDIE TOP 20 gaat halen.

Bij Natural High van Perfume Genius had ik iets anders.

Ik wilde vooral dat niemand even tegen me ging praten.

Want dit is zo'n nummer waar je in moet gaan zitten.

Bijna zes minuten lang bouwt Mike Hadreas een kleine wereld waarin aanvankelijk nauwelijks iets lijkt te gebeuren. Donkere toetsen. Veel ruimte. Geluiden die meer zweven dan spelen. Zijn stem die niet bovenop de muziek ligt, maar er bijna als mist doorheen trekt.

En onmiddellijk dacht ik:

Twin Peaks.

Niet omdat Perfume Genius ineens Angelo Badalamenti probeert na te doen. Daarvoor is Natural High veel te eigenzinnig. Het is vooral datzelfde gevoel: schoonheid waar ergens iets niet helemaal klopt.

Een lege kamer.

Een lamp die zacht zoemt.

Fluwelen gordijnen.

En ergens achter die gordijnen gebeurt waarschijnlijk iets waar je beter niet kunt gaan kijken.

Prachtig.

Hadreas heeft zelf vaker gezegd dat hij zijn albums ziet als soundtracks voor films die niet bestaan. Dat idee past bijna perfect bij Natural High

Maar het mooiste is dat het nummer niet blijft hangen in alleen die dromerige sfeer.

Want langzaam begint er iets te veranderen.

De synthesizers worden voller. Het ritme krijgt meer nadruk. Kleine elektronische details komen naar voren. Waar ik eerst nog in een denkbeeldige Twin Peaks-bar zat, begint iemand ineens de tafeltjes aan de kant te schuiven.

En dan:

dansvloer.

Het nummer groeit daadwerkelijk van donkere keyboardfiguren en wazige synthesizers naar een houseachtige finale. 

Wat een overgang.

En vooral: wat natuurlijk gedaan.

Geen goedkope beatdrop waarbij iemand kennelijk heeft besloten dat Spotify na drie minuten wakker moet worden geschud. De verandering zit al vanaf het begin in het nummer verstopt.

Je voelt hem langzaam aankomen.

Dat vind ik misschien wel het sterkste aan Natural Highde dynamiek.

Perfume Genius durft tijd te nemen. 5 minuten en 45 seconden zelfs.

Dank u.

Eindelijk weer eens een artiest die niet denkt dat een liedje na 2:07 klaar moet zijn omdat iemand anders misschien naar TikTok wil.

En die lengte is nodig.

Je moet eerst verdwalen voordat die tweede helft kan werken.

De Alternatieve Muziekman zegt

Dit is precies waarom ik iedere dag nieuwe muziek blijf luisteren.

Soms moet ik door nummers heen ploeteren.

En dan komt ineens Natural High.

Een nummer dat niet schreeuwt om aandacht, maar langzaam een deur openzet en zegt: kom maar even binnen.

Twin Peaks-vibes?

Absoluut.

Maar dan wel Twin Peaks waar na middernacht plotseling een illegale houseparty begint.

★★★★★ – 5/5

Cijfer: 9,6/10

Soundscape: ⭐⭐⭐⭐⭐
Sfeer: ⭐⭐⭐⭐⭐
Stem: ⭐⭐⭐⭐⭐
Opbouw: ⭐⭐⭐⭐⭐
Dynamiek: ⭐⭐⭐⭐⭐
Twin Peaks-factor: ⭐⭐⭐⭐⭐
Herluisterwaarde: ⭐⭐⭐⭐⭐
INDIE TOP 20-potentie: ⭐⭐⭐⭐⭐

Je begint in een donkere kamer met rode gordijnen. Zes minuten later sta je nog steeds in die kamer — alleen blijkt er ineens een dansvloer onder het tapijt te hebben gelegen


https://youtu.be/T0PYXGy43Hg?si=BrCUrByB_rWZnEUK

Social Distortion – Wicked Game★★★★½ – 4,5/5





Social Distortion – Wicked Game

Kijk Labrinth, zó kan een cover dus wél zin hebben

Een paar nummers geleden zat ik nog naar Labrinths versie van I Want to Know What Love Is te luisteren en dacht ik: waarom?

Nu komt Social Distortion met Wicked Game.

En opnieuw hebben we een gevaarlijke patiënt op de operatietafel.

Want Wicked Game van Chris Isaak is zo'n nummer waarvan je eigenlijk alleen maar kunt verliezen. Die gitaar. Die ruimte. Die bijna fluisterende stem. Die broeierige sfeer. Het origineel duurt 4:49 en is inmiddels zo sterk verbonden met Isaak dat iedere cover onmiddellijk met hem wordt vergeleken. 

Maar Social Distortion doet precies wat Labrinth voor mij onvoldoende deed:

ze veranderen het nummer.

Niet de melodie natuurlijk. Niet de emotionele kern. Maar wel de wereld waarin het liedje leeft.

Chris Isaaks Wicked Game staat 's nachts alleen op een verlaten strand.

Social Distortion zet er een motor naast.

Mike Ness trekt het nummer richting die typische Social Distortion-combinatie van punk, rock-'n-roll en countryrock. De gitaar krijgt veel meer gewicht. Waar Isaaks beroemde gitaarlijn bijna zweeft, klinkt hij hier steviger en vuiler.

En dan die stem van Ness.

Geen poging om Chris Isaak te imiteren. Gelukkig niet.

Ness heeft een doorleefde, korrelige stem. Daardoor verandert ook de tekst van karakter. Bij Isaak hoor ik verlangen, verleiding en bijna machteloosheid.

Bij Ness klinkt het alsof de relatie inmiddels twintig jaar voorbij is, hij er drie tatoeages aan heeft overgehouden en er nog steeds niet helemaal overheen is.

Dát is coveren.

Social Distortion speelde Wicked Game overigens al jaren live voordat ze het voor hun nieuwe album opnamen. Je hoort daardoor geen band die voorzichtig met een klassieker omgaat. Ze hebben het nummer inmiddels ingeleefd.

En muzikaal werkt dat heerlijk.

De gitaren zijn voller. De drums geven het nummer meer gewicht. De countryachtige ondertoon past verrassend goed bij de melancholie van het origineel.

Het mooie is dat Social Distortion niet probeert te bewijzen dat hun versie beter is.

Dat hoeft helemaal niet.

Een goede cover geeft je gewoon een tweede reden om hetzelfde liedje op te zetten.

De Alternatieve Muziekman zegt

En daarom is dit zo'n mooi contrast met Labrinth.

Bij I Want to Know What Love Is dacht ik na afloop vooral: zet Foreigner maar weer op.

Bij Social Distortion denk ik:

zet deze nog eens op.

Dat is het verschil.

Je neemt een klassieker niet opnieuw op omdat je hem toevallig goed kunt zingen.

Je neemt hem opnieuw op omdat je er iets van jezelf in hoort.

Social Distortion pakt Chris Isaaks romantische nachtelijke eenzaamheid en verandert die in doorleefde Californische rock-'n-roll.

Zelfde liedje.

Andere man.

Andere levensjaren.

Andere littekens.

★★★★½ – 4,5/5

Cijfer: 9,2/10

Stem Mike Ness: ⭐⭐⭐⭐⭐
Gitaar: ⭐⭐⭐⭐⭐
Eigen draai: ⭐⭐⭐⭐⭐
Respect voor het origineel: ⭐⭐⭐⭐⭐
Rafelrand: ⭐⭐⭐⭐½
Noodzaak van deze cover: ⭐⭐⭐⭐⭐
Herluisterwaarde: ⭐⭐⭐⭐½

Chris Isaak maakte van Wicked Game een nacht op het strand. Social Distortion maakt er dezelfde nacht van, maar dan met een leren jack, een oude motor en iemand die inmiddels precies weet hoe zo'n wicked game afloopt.


https://youtu.be/ptIKKNW1VYw?si=3VvPgkiU73wRxEIN

CHVRCHES – Roses★★★★★ 5/5



CHVRCHES – Roses

Ja! Eindelijk een nieuwe CHVRCHES. En blijkbaar heeft Robert Smith na How Not To Drown zijn gitaarversterker laten staan

Love it!

Soms hoef ik voor een recensie niet eerst vijf keer moeilijk uit het raam te kijken.

Roses begint en binnen enkele seconden weet ik het al:

CHVRCHES is terug. En hoe.

Na Over uit 2023 is dit de eerste echt nieuwe single van Lauren Mayberry, Iain Cook en Martin Doherty. De band nam bewust een langere pauze en wilde bij de terugkeer niet simpelweg herhalen wat ze eerder al hadden gedaan.

Missie geslaagd.

Want natuurlijk hoor je CHVRCHES. Laurens stem is onmiddellijk herkenbaar en de elektronische onderlaag verraadt binnen een paar tellen wie hier aan het werk is.

Maar daar doorheen:

gitaren!

En niet zomaar een gezellig gitaarlijntje omdat iemand tijdens de opnames toevallig nog een Fender in de hoek zag staan.

Dit zijn donkere, schurende postpunkgitaren.

De drums klinken steviger en organischer dan bij de klassieke synthpop-CHVRCHES. Daarboven hangen gitaren die soms bijna huilen en op andere momenten als een donkere wolk om de melodie heen trekken. De synthesizers zijn niet verdwenen, maar hebben een andere taak gekregen: ze vullen de ruimte achter de gitaren in plaats van voortdurend de hoofdrol op te eisen.

En daar gaat mijn muzikale hart natuurlijk sneller van kloppen.

Ik hoor Depeche Mode.

Ik hoor The Cure.

Niet als kopie, maar in de sfeer: donker, Brits, melodieus en met precies genoeg somberte om het gezellig te houden.

Vooral The Cure zit voor mij opvallend dichtbij.

En dan moet ik natuurlijk terugdenken aan How Not To Drown uit 2021, waarop Robert Smith daadwerkelijk met CHVRCHES samenwerkte.

Heeft Robert na die samenwerking soms iets achtergelaten?

Een pedaaltje?

Een gitaar?

Een envelop met daarop: Lauren, pas openen bij album vijf?

Want zijn invloed lijkt hier nog steeds rond te spoken.

Ook Lauren Mayberry klinkt anders. Minder het kristalheldere popstemgeluid tegenover grote synthesizers, meer scherpte en venijn. Dat past bij de tekst, waarin CHVRCHES kritisch kijkt naar geromantiseerde ideeën over de Britse “goede oude tijd”. De band gebruikt zelfs Ring a Ring o’ Roses als onderdeel van het refrein.

Dat geeft het nummer iets onheilspellends.

Een kinderliedje in een donkere postpunkomgeving.

Gezellig.

Precies mijn soort gezellig.

En toch blijft het refrein onmiskenbaar CHVRCHES: groot, melodieus en toegankelijk. Dat vind ik misschien wel het knapste. Ze hebben hun synthesizers niet ingeruild voor gitaren.

Ze hebben hun wereld groter gemaakt.

De Alternatieve Muziekman zegt

Als Roses een aanwijzing is voor de richting van het volgende album, mogen ze wat mij betreft onmiddellijk door.

Meer gitaren.

Meer postpunk.

Meer donkerte.

Maar vooral: behoud die prachtige CHVRCHES-melodieën.

Dit klinkt niet als een band die na een pauze voorzichtig controleert of de microfoons het nog doen.

Dit klinkt als een band met nieuwe honger.

★★★★★ 5/5

Cijfer: 9,6/10

Lauren Mayberry: ⭐⭐⭐⭐⭐
Gitaren: ⭐⭐⭐⭐⭐
Synths: ⭐⭐⭐⭐½
Postpunkfactor: ⭐⭐⭐⭐⭐
Depeche Mode-gevoel: ⭐⭐⭐⭐½
The Cure-gevoel: ⭐⭐⭐⭐⭐
Herluisterwaarde: ⭐⭐⭐⭐⭐
INDIE TOP 20-potentie: ⭐⭐⭐⭐⭐

Robert Smith werkte één keer met CHVRCHES samen en lijkt daarna vergeten te zijn zijn schaduw mee naar huis te nemen. Laat hem vooral liggen.

CHVRCHES is terug. Love it!


https://youtu.be/3x2BXn0cPM8?si=-hbB9Ee56BjrCD0e

dinsdag 22 september 2026

Labrinth – I Want to Know What Love Is★★★☆☆ – 3/5



Labrinth – I Want to Know What Love Is

Een perfect voorbeeld van een totaal niet noodzakelijke cover

Soms verschijnt er een cover en denk ik: ja, natuurlijk.

Een artiest pakt een bekend nummer, trekt het volledig uit elkaar en bouwt er iets nieuws van. Een andere sfeer, een onverwachte stem, vreemde elektronica, een compleet ander tempo.

Dan begrijp ik waarom je een klassieker opnieuw opneemt.

En soms verschijnt Labrinth met I Want to Know What Love Is.

Tja.

Het origineel van Foreigner uit 1984 is inmiddels zo bekend dat je bijna automatisch het grote refrein in je hoofd hoort zodra iemand alleen de titel noemt.

Dus Labrinth begint hier met een behoorlijke achterstand.

Niet omdat je van een klassieker moet afblijven. Integendeel. Van mij mag je alles coveren.

Maar dan moet je wel antwoord kunnen geven op één eenvoudige vraag:

Waarom?

En dat antwoord hoor ik hier onvoldoende.

Labrinth kan natuurlijk zingen. Daar ligt het probleem absoluut niet. Zijn stem heeft bereik, kracht en emotie. Hij probeert het nummer bovendien naar zijn eigen dramatische wereld te trekken.

De productie is groot en filmisch. De zang staat nadrukkelijk vooraan en er wordt langzaam naar dat onvermijdelijke refrein toegewerkt.

Maar juist daar begint het bij mij te wringen.

Of eigenlijk:

het wringt niet genoeg.

Dat is het probleem.

Het origineel had die enorme jaren-tachtig-powerballadopbouw: synthesizers, gitaren, Lou Gramms stem en uiteindelijk dat beroemde gospelkoor dat het refrein bijna de hemel in tilt.

Als je dat in 2026 opnieuw doet, wil ik iets horen waardoor ik Foreigner even vergeet.

Een kale pianoversie misschien.

Een elektronische nachtmerrie.

Een compleet vertraagde versie.

Desnoods Labrinth met één synthesizer die klinkt alsof hij uit Euphoria is ontsnapt.

Doe iets.

Maar deze uitvoering blijft voor mij te dicht bij het oorspronkelijke emotionele doel: beginnen met ingehouden drama en vervolgens steeds groter worden.

Labrinth zingt uitstekend, maar uitstekend zingen is nog geen reden om een klassieker opnieuw op te nemen.

Sterker nog: zijn eigen muziek bewijst juist hoe avontuurlijk hij kan zijn. Daarom vind ik deze keuze extra jammer.

Ik wil bij Labrinth het onverwachte.

Hier weet ik eigenlijk vanaf het begin al waar we over drie minuten naartoe gaan.

Naar dat refrein.

Natuurlijk.

De Alternatieve Muziekman zegt

Dit is voor mij bijna het perfecte voorbeeld van een totaal niet noodzakelijke cover.

Niet slecht.

Niet vals.

Niet goedkoop gemaakt.

Gewoon:

overbodig.

Het origineel bestaat nog. Het klinkt nog steeds geweldig. En Labrinth geeft mij te weinig reden om voortaan naar zijn versie te grijpen.

Dat is misschien wel de hardste conclusie die je over een cover kunt trekken.

Want na afloop wil ik eigenlijk maar één ding doen:

Foreigner opzetten.

★★★☆☆ – 3/5

Cijfer: 6,3/10

Stem: ⭐⭐⭐⭐½
Productie: ⭐⭐⭐½
Emotie: ⭐⭐⭐⭐
Eigen draai: ⭐⭐
Verrassing: ⭐⭐
Noodzaak van deze cover: ⭐
Herluisterwaarde: ⭐⭐½

Labrinth wilde weten wat liefde is. Ik wil na deze cover vooral weten waarom hij hem per se moest opnemen.

https://youtu.be/4t33F5R2Er0?si=-nN4tPCWdtGujQMD